Critchlow's portraits of Black women transform Western portraiture and conflate kitsch with tradition.
Somaya Critchlow's canvases and sketchbooks log an ongoing process of world building. The artist fashions these realms by drawing upon her expansive knowledge of picture-making traditions ranging from the Renaissance to the Rococo. In charting the ever-expanding dimensions of this female-dominated universe, Critchlow casually disarms the distinctions that inform concepts of high and low culture by uncovering the ways in which class and racial difference are routinely conflated. The voluptuous, self-possessed women who explore Critchlow's fantasy landscapes and pensively occupy domestic interiors or otherwise blank pages owe as much to the aesthetics of Love and Hip Hop as they do to Peter Paul Rubens, and thus prompt the viewer to consider the disparate ways in which we esteem these forms of culture--and the women they feature.
Ce volume examine la relation de longue date et fructueuse entre Campari et l'industrie cinématographique. Retraçant la longue histoire de Campari en tant que mécène enthousiaste et impliqué du cinéma, le livre détaille comment le soutien de la société a servi d'impulsion à d'innombrables projets de films expérimentaux et révolutionnaires. De la publicité télévisée de Campari de 1984 réalisée par le réalisateur légendaire Fredrico Fellini à sa plus récente collaboration avec le réalisateur oscarisé Paolo Sorrentino et l'acteur hollywoodien Clive Owen sur la série Red Diaries - une campagne en cours de courts métrages illustrant que « chaque cocktail raconte une histoire » Les incursions de Campari dans le monde du cinéma sont toujours conçues de manière ambitieuse et magistralement réalisées. Alchimie parfaite de la passion et de l'imagination, Campari and Cinema offre un large panorama de l'histoire du cinéma et démontre comment la créativité cinématographique va de pair avec l'innovation de Campari.
"Suss' paintings attend to the genealogy of caretaking and the everyday shapes that care takes: ordinary fabrics, simple language, routine." -The New Yorker Philadelphia-based artist Becky Suss (born 1980) explores ideas of intimacy, domesticity and memory. Her large-scale paintings of interiors are holistic representations of the sensory and remembered qualities of space, while her small paintings of objects and books offer a library of charged personal items.
Devoid of figures, Suss' style uses flattened architecture, exaggerated proportions and distorted perspective to amplify the tension between the factual and the fictitious, mirroring the plasticity of memory, continually reformed and revised. Suss often questions the stereotypes of domesticity as they relate to the lives of women in America; she is fascinated by American culture's simultaneous dismissal of and dependence on homemaking and homemakers, and is inspired by her own personal heritage--the generations of women in her family who managed the domestic sphere without recognition. This hardcover volume surveys her work.
A Tom of Finland sketchbook, with preparatory drawings that reveal his painstaking craftsmanship.
Positioned at something of an angle to art history, Tom of Finland (1920-91) nonetheless counts among the popular artists of the latter 20th century. Through his iconic images, he almost singlehandedly changed the way gay men were perceived by society, and, more importantly, how gay men perceived themselves. The massive oeuvre that he produced over the course of a career spanning nearly six decades is devoted almost entirely to this one topic: men, their bodies and their eroticism. This extraordinary consistency in subject matter was matched by a lifelong passion for the discipline of drawing. And Tom most likely drew every day of his life.
Tom's world was populated by cowboys, mechanics, cops, punks and thugs--all indulging their desires with great camaraderie and without guilt or prejudice. This book assembles a cross section of these characters as devised by the artist in rough sketches or more carefully executed studies. These mostly served as preliminary drawings for the highly finished works, many of which were intended for publication.
Designed as an imagined Tom of Finland sketchbook, this book lets the viewer share in his exuberant joie de vivre.
Première monographie Auteurs: Avec des textes de Deena Weinstein, Lina Lazaar, Matthieu Lelièvre, Olfa Youssef et Olivier Rachet Né en 1982 à Tunis, Thameur Mejri est diplômé de l'Institut des Beaux Arts de Tunis. Dans ses toiles de prime abord abstraites, Thameur Mejri insère des éléments figuratifs. La figure humaine y trouve une place prédominante de par sa récurrence.
De pied ou condensée en un simple crâne ou autres ossements, elle se révèle par l'application de fines lignes réalisées au fusain ou au pastel émergeant délicatement des larges aplats de couleurs. Ceux-ci s'entrechoquent toujours comme pour mieux exacerber les vicissitudes endurées par le corps. Ces violentes oppositions de couleurs témoignent aussi de la rapidité d'exécution de l'artiste, rendue possible par l'emploi de la peinture acrylique.
En établissant une atmosphère de confrontation, l'artiste parvient au sein d'une même oeuvre à retranscrire l'impétuosité de son geste tout en créant un chaos en suspension où les complexités de l'existence humaine apparaissent à chacun.
Cet ouvrage constitue la première monographie de l'artiste et permet d'appréhender au mieux la découverte de ces grands formats particulièrement immersifs
Ce volume examine l'ensemble de l'oeuvre de l'artiste, à commencer par l'installation vidéo-photographique Il tempo consuma, une réélaboration et une actualisation de trois oeuvres créées par Sambin à la fin des années 1970. L'archè et la téchne sont les deux pôles vers lesquels oscille l'imaginaire de l'artiste, où la technique - qui s'incarne ponctuellement dans un dispositif (que ce soit une installation ou un dispositif pictural, sculptural, filmique, sonore, performatif) - n'est pas le principe générateur de toutes les oeuvres, encore moins le but ultime, mais plutôt un paradigme, un point de vue à partir duquel révéler l'essence même des choses. Le catalogue, accompagné d'une riche palette d'illustrations en couleurs et en noir et blanc, est ponctué de « mémoires vidéo » de l'artiste lui-même, qui retracent les grandes étapes de son activité sous la forme d'un journal intime, et est complété par des contributions critiques d'importantes personnalités internationales.
Pouvoir et Prestige est la première publication consacrée à ce sujet. Richement illustrée, elle comporte des textes de spécialistes qui étudient les massues dans toute leur complexité. Il s'agit d'un ouvrage de référence dans ce domaine, permettant de découvrir l'histoire, les fonctions, la géographie et le grand raffinement de ces objets souvent méconnus.
The nomadic life story of a polymathic icon of African modernism.
For more than a half century, Sudanese artist Ibrahim El-Salahi (born 1930) has been at the forefront of African modernism. A renowned artist, writer, critic and teacher, El-Salahi continues to refine his unique modernist vision, which combines and challenges Islamic, African and Western paradigms of modernism in the visual arts.
In this engaging memoir, El-Salahi recalls some of the most formative experiences of his career. From Khartoum to London to São Paulo to New York to Doha, and many places in between, El-Salahi shares his wide-ranging intellectual curiosity as he seeks out significant artists and interlocutors on several continents. He introduces the reader to his encounters with figures such as the African American modernists Hale Woodruff, Jacob Lawrence and members of the Spiral Group; the legendary leader of the Nation of Islam, Elijah Muhammad; and the Mexican painter Rufino Tamayo.
Une rue à Mantes-la-Jolie, ou simplement un éponyme des plus communs : le nom d'Alphonse Durand ne ravive pas un souvenir à la mesure de son oeuvre. Pire encore, il est souvent entaché par l'idée fausse qu'il osa détruire la tour nord de la collégiale.
Créée à Vienne en 2019, le collectif artistique Mai Ling se présente comme une plateforme de partages et d'échanges destinée à des personnes qui ont vécu ou qui souhaitent lutter contre le racisme, le sexisme, l'homophobie et tous les préjugés liés à la différence, en particulier ceux qui visent les femmes asiatiques. Le nom de «Mai Ling» renvoie à un personnage fictif inventé en 1979 par le célèbre humoriste allemand Gerhard Polt. Présentée dans le manifeste vidéo du collectif intitulé La Belle Étrangère, Mai Ling incarne ce fantasme stéréotypé des femmes asiatiques soumises sans distinction claire de leur origine dans l'imaginaire collectif européen.
L'exposition Dialogues en est la digne représentation.
Depuis 1890, la Revue des musées de France-Revue du Louvre est au coeur de la vie des musées de France. De la Préhistoire à l'art contemporain, de la peinture aux objets ethnographiques, elle est la vitrine de tous les domaines de l'art représentés dans les collections françaises.
Ses textes, écrits par des conservateurs de musées et des historiens de l'art, tant français qu'étrangers, plongent le lecteur dans les coulisses des collections. L'actualité des musées est relatée à travers ouvertures de salles, rénovation de bâtiments et inauguration de nouveaux musées ; les recherches des professionnels de l'art sont publiées dans des textes inédits. Ces textes et une iconographie abondante et variée font de cette revue non seulement un instrument de travail pour les professionnels mais aussi un moyen de découverte pour les amateurs Support de diffusion privilégié des musées de France, reflet de leurs évolutions et de leurs recherches, la revue est un incontournable pour tous les amoureux de l'art.
Un catalogue qui plonge le lecteur dans l'extraordinaire variété de logogrammes réalisés par Dotremont à travers plus de 120 oeuvres sur papier, photographies, films et certaines pièces d'archives présentées pour la toute première fois au public.
Glissez-vous dans la valise de l'artiste pour découvrir son cheminement créatif vagabond. Outre les logogrammes, le parcours présente une sélection de « dessins-mots » et d'autres oeuvres à quatre mains réalisées avec Pierre Alechinsky, Asger Jorn, Serge Vandercam, Hugo Claus, etc. D'autres plasticiens de l'écriture comme Henri Michaux, René Guiette, Jean Raine, Jules Lismonde, Jacques Calonne dialoguent avec le travail de Dotremont.
A catalogue that immerses the reader in the extraordinary variety of logograms made by Dotremont through more than 120 works on paper, photographs, films and some archival pieces presented for the very first time to the public.
Slip into the artist's suitcase to discover his wandering creative journey. In addition to the logograms, the tour presents a selection of "word drawings" and other four-handed works made with Pierre Alechinsky, Asger Jorn, Serge Vandercam, Hugo Claus, etc. Other visual artists of writing such as Henri Michaux, René Guiette, Jean Raine, Jules Lismonde, Jacques Calonne dialogue with the work of Dotremont.
L'ouvrage Tarz. Broder au Maroc, hier et aujourd'hui accompagne l'exposition éponyme au Musée d'Angoulême. Il présente un fonds exceptionnel de broderies marocaines, constitué entre 1934 et 1996. Richement illustré, le catalogue montre des pièces spectaculaires et peu connues, aussi bien anciennes que contemporaines. Les objets présentés proviennent de sept grandes écoles de broderie marocaine, ce qui permet de découvrir les spécificités visuelles et culturelles locales ainsi que la richesse de différents styles.
L'ouvrage étudie la broderie marocaine sous les aspects esthétique, historique et ethnographique, en se penchant sur les sources de la broderie marocaine dans l'histoire des textiles méditerranéens, l'ethnographie des modes de production et des usages, ainsi que sur l'impact des violences coloniales d'un côté, et les politiques de protection menées par l'occupant français de l'autre.
Les spécialistes abordent la broderie marocaine de façon pluridisciplinaire, en tenant compte du dernier état de la recherche, ce qui fait de l'ouvrage une position de référence en la matière. Enfin, les oeuvres contemporaines de Fatima Lévêque, réalisées par les femmes des ateliers de Fès donnent un aperçu de la création actuelle.
Esito conclusivo del programma di ricerca internazionale Lettres d'artistes. Pour une nouvelle histoire transnationale de l'art, XVIIIe-XIXe siècles, questo volume esplora le corrispondenze degli artisti quale fonte di una (nuova) storia dell'arte che privilegia un'ottica transnazionale. I saggi qui riuniti pongono in primo piano la natura dialogica della lettera, strumento in grado di collegare luoghi e tenere unite persone lontane, ma anche di suggellare nuovi incontri (o scontri) tra culture, cose, lingue diverse. La prima sezione Incontri, transiti, geografie, che propone una storia dell'arte intesa come storia di attraversamenti di spazi e confini, ripercorre la costruzione di reti intellettuali e culturali tra artisti e tra istituzioni, attraverso le quali emerge un nuovo discorso sull'arte e sul ruolo dell'artista. Nella seconda sezione Generi e tipologie si analizzano i formati e i linguaggi delle lettere d'artista, incluse tipologie sin qui poco indagate quali i carteggi familiari o le lettere di presentazione e raccomandazione, come occasioni di definizione delle identità professionali e come pratica sociale. Infine la terza sezione, La lettera come patrimonio nazionale, è dedicata alla fortuna o sfortuna materiale e intellettuale delle lettere d'artista, al fenomeno ottocentesco dell'ingresso degli epistolari artistici nelle raccolte pubbliche, alla formazione delle autografoteche, all'utilizzo degli epistolari nella trama narrativa delle biografie artistiche.
Contributi di Liliana Barroero, Carolina Brook, Giovanna Capitelli, Stefano Cracolici, Tiziano Casola, Maria Pia Donato, Ilenia Falbo, Erminia Irace, Annalisa Laganà, Donata Levi, Carla Mazzarelli, Susanne Adina Meyer, Ilaria Miarelli Mariani, Leonardo Mineo, Teresa Montefusco, Chiara Piva, Valter Rosa, Valeria Rotili, Simona Troilo, Francesca Valli, Arnold Witte.
Dans une ville des savoirs et de médecine, c'est une poétique de la figure humaine qu'explore L'épreuve des corps. Le corps est politique, social, sexué, fantasmé, célébré, assujetti. Il est le reflet de nos peurs, de nos aspirations, de notre temps. Comment figurer l'humain, aujourd'hui ? Une cinquantaine d'oeuvres créées entre 1977 et 2020 examine une figure humaine indissociable des traumas sociaux, politiques et culturels qui sont les nôtres. Ce catalogue richement illustré réunit des textes inédits??: la critique d'art et commissaire d'exposition, Marion Zilio, l'autrice, Amélie Lucas-Gary, et les auteurs, Julie Ackermann, Marie Applagnat, Angela Blanc, Caroline Chabrand, Jean-Baptiste Delorme, Anna Kerekes, Marilou Thiébault, Justine Vic ont chacun participé à l'examen minutieux de la représentation de la figure humaine. Deux entretiens menés par le commissaire de l'exposition Vincent Honoré avec Patrizia Sandretto Re Rebaudengo et l'artiste Michele Rizzo complètent l'ouvrage.
Né à Barcelone en 1913, Antoni Clavé a été confronté à la guerre dès 1937. Le thème du guerrier se retrouve très tôt dans son art et figure parmi les sujets qui lui assurent la reconnaissance du public à Paris en 1958.
Au contact de sculptures et de masques africains dont Clavé s'entoure dans ses ateliers, la figure du guerrier demeure fondamentale. Titre et sujet fétiches de l'artiste, le guerrier, tel un refrain, peut se lire comme une image rémanente dans les sculptures, les peintures, les assemblages de textiles ou de bois de Clavé jusqu'au début des années 2000. Ce thème le hante toute sa vie.
C'est à travers le prisme du souvenir de masques africains que ce catalogue propose un regard original sur l'art d'Antoni Clavé. Hommage, admiration, appropriation, ses liens avec les arts d'Afrique sont multiples. Clavé prend lui aussi ses armes d'artiste pour affirmer son identité picturale d'une modernité absolue, intemporelle et universelle.
Comme dans son travail en trois dimensions, Plensa s'intéresse avant tout à l'humain dans ses dessins. Il fait fusionner des visages de femmes et d'hommes avec des photos, des lettres de divers alphabets ou encore des chiffres, créant un univers très poétique.
Il a recours à une grande variété de matériaux : colle translucide, pastel, graphite, cire, collage sur tissu, plexiglas ou papier, montrant le renouvellement constant de ses recherches artistiques.
Empreints d'une grande liberté, les dessins dévoilent le cheminement de la pensée de l'artiste, ils constituent un lieu de réflexion et d'expérimentation.
Cet ouvrage trace une histoire de l'art du graffiti à travers l'évolution du travail de Tilt. Partant du writing, ce genre de graffiti fondé sur le dessin et la peinture de lettres dont se réclament encore aujourd'hui nombre de graffeurs - parmi lesquels Tilt - qui entendent affirmer leur spécificité et opposer une forme de résistance au tournant « street-art » de la production visuelle actuelle dans l'espace public. Tilt peint son premier tag éponyme en 1990. Il sait dès lors que le graffiti sera une passion à vie. Le graffiti traduit un rapport libertaire, voire anarchiste, invasif, à la ville, contre l'autoritarisme de l'architecture et de l'urbanisme, la sur-implantation de la publicité, l'enlaidissement de certains quartiers. Son contenu, dans la pratique de Tilt, n'a pas besoin d'être explicitement militant : ce qui est politique, ici, c'est le geste lui-même, sous une forme activiste d'intervention sur le territoire. À partir de 2016, Tilt va recréer en atelier des séries d'abstractions. Ces oeuvres provoquent le même effet de surprise que celui que suscite un graffiti dans la ville, elles sont à la fois inscrites dans les origines subversives du graffiti et dans l'histoire de la peinture. Qu'il soit « vandale », dans la rue, où il appartient à tout le monde, ou qu'il devienne objet à vivre comme en décidèrent les premiers graffeurs qui investirent les galeries d'art newyorkaises dès les années 1970, l'histoire du graffiti continue ainsi à s'écrire.
Le concours World Press Photo reconnaît le meilleur du photojournalisme et de la photographie documentaire cette année. Les gagnants de cette année ont été choisis parmi 64,823 photographies et entrées libre format, comptant 4,066 photographes venant de 130 pays différents. Le Catalogue 2022 de World Press Photo, présente les images, séries et productions lauréates du Concours. Le catalogue comprend des essais approfondis et un rapport du Jury qui apporte du matériel pour réfléchir et contextualiser.
A beautiful homage to the influence of St Francis and the masterworks by Giotto, Cimabue and others in the Basilica of Assisi.
This richly illustrated hardcover volume focuses on the exquisitely detailed beauty of the artworks by Cimabue, Giotto, Simone Martini and Pietro Lorenzetti that adorn the Basilica of St. Francis of Assisi and the town of Assisi in the heart of Italy's Umbria region, animating the profound humanism and affirmative energy that St Francis brought to Umbria and Italy itself. Through an authoritative yet witty narrative, the book guides our attention across key themes of the Franciscan phenomenon, which reflected a radical change in consciousness toward human relationships and humankind's relationship with nature. The resonance between Christ and Francis is evidenced, as is the less well-known supportive role of women in both periods.
Containing detailed images of the paintings, this textured analysis documents the artistically rich and innovative atmosphere and the complex medieval setting in which St. Francis and the painters of the basilica lived.
Projects and dialogues in homage to the influential New York architect and educator Diane Lewis.
Combining civic architecture projects with contributions by writers, historians and artists ranging from Dan Graham to Fran Lebowitz, Conceiving the Plan constructs a dialogue with the legacy of the late architect and longtime Cooper Union professor Diane Lewis (1951-2017).
Lewis' pedagogy defined Cooper Union's architecture departure from the 1970s to the mid-2000s. Here, architectural historians Barry Bergdoll and Daniel Sherer converse about the themes and approach in her pedagogical style and thinking. Architects, former students, colleagues and friends generate projects as a continuous discourse with Lewis' pedagogy, carrying her legacy into contemporary dialogues.
Conceiving the Plan includes more than 250 images and diagrams of projects pertaining to Lewis' legacy by Georg Windeck, Preston Scott Cohen, Dorian Wiszniewski, Pippo Ciorra and Peter Lynch.
Nouv.
