From sharp suits and cult watches to glamorous gowns and scene-stealing bathing suits, James Bond Style explores the timeless fashion in all twenty-five Bond movies, not only of 007 himself throughout the eras, but also his nemeses, love interests, and colleagues. Academy-Award-winning costume designer Lindy Hemming, who worked on five Bond films, wrote the book's text and captions, in addition to contributing to creative direction and photo selection. The book also includes an introduction from Dylan Jones OBE, editor-in-chief of the London Evening Standard.
The book is separated by Bonds in chronological order, namely Sean Connery, Roger Moore, George Lazenby, Timothy Dalton, Pierce Brosnan, and Daniel Craig, each chapter filled with the most iconic looks from the actors' films, from Dr. No to No Time To Die. In addition, there are extensive behind-the-scenes insights and stories from both the costume designers who worked on every movie as well the actual designers behind the outfits-think: Donatella Versace, Tom Ford, and Jenny Packham-plus a host of actors, from Pierce Brosnan and Daniel Craig to Michelle Yeoh and Grace Jones. These anecdotes reveal the sheer scale of the business that is Bond style, for instance, thirty-three bespoke Tom Ford tuxedos were made for No Time To Die in record time (and received just twenty- four hours before filming), while in Quantum Of Solace, Prada fabricated twenty dresses for Olga Kurylenko-as she wore the piece through most of the film, they needed one dress for each stage of the action, from brand-new to dust-covered to ruined.
And all the most memorable moments are inside, like Ursula Andress emerging from the waves in that famous white bikini, to the homages to that scene: Halle Berry in a shocking orange La Perla bathing suit in Die Another Day, and, in a completely unplanned and now completely viral take, Daniel Craig, also in La Perla, on a Bahamian beach in Casino Royale (one of the trunks used was later auctioned for £44,450).
Thanks to its never-before-seen sketches, detailed fashion analysis, and extensive research by the series official archivist, we're confident in saying that no book in history has chronicled the sartorial aspect of the Bond franchise as comprehensively as James Bond Style, otherwise known as the ultimate Bond style bible.
Actrice mythique et icône, Brigitte Bardot ébranle les années 1960. Troublante, insoumise, imprévisible, tour à tour provocatrice ou ingénue, B. B. scandalise par son insolente beauté et ses déclarations controversées. Sans le vouloir, elle a provoqué un tsunami à l'échelle mondiale. Yves Bigot analyse avec finesse l'histoire hors norme de cette figure incontournable à la personnalité complexe.
Tim Burton, à 24 ans, écrit un long poème, un conte de Noël à la fois burlesque et gothique : l'Étrange Noël de Monsieur Jack. L'histoire restera presque 10 ans dans les tiroirs des studios Disney avant de devenir, sous l'impulsion du réalisateur, un des films d'animation en stop motion les plus novateurs, qui reste une référence aujourd'hui.
Retrouvez dans cet ouvrage toute l'histoire de sa création, des anecdotes de tournage, de nouvelles interviews du réalisateur, du compositeur des chansons, des animateurs, des acteurs voix - et bien sûr de Tim Burton -, illustrée de plus de 200 photos et images d'archives issues des collections Disney et de la collection personnelle de l'artiste.
Un ouvrage essentiel pour les amateurs de cinéma, d'animation et les fans de l'éternel Roi des citrouilles.
Le combat final contre Palpatine, la destruction de l'Étoile Noire, les disparitions de Vador et de Yoda, mais aussi les Ewoks et les combats sur Endor, ou encore Jabba le Hutt, ses mercenaires et sa cour... Sorti en 1983, Le Retour du Jedi - avec ses scènes cultes et ses nouveaux personnages - clôturait la première trilogie Star Wars tout en développant comme jamais sa mythologie et sa notoriété.
Riche de centaines de photographies, illustrations et documents d'archives, avec de nombreux fac-similés et dépliants, cet ouvrage dévoile tous les coulisses de ce film mythique et montre à quel point il continue d'inspirer la galaxie Star Wars. Un livre incontournable pour les fans de toutes les générations.
Dirigé par Pierre Lambert, spécialiste reconnu de l'histoire du cinéma d'animation, cet ouvrage de collection rend hommage aux artistes qui participèrent entre 1947 et 1950 à la création de Cendrillon, l'un des chefs-d'oeuvre des studios Walt Disney.
Des premières recherches à l'encre et à l'aquarelle de Marc Davis aux magnifiques études à la gouache de Mary Blair, ce livre collector rassemble près de 300 oeuvres inédites, études préliminaires, story sketches, layouts, dessins d'animation, cellulos et décors.
Un album d'exception pour célébrer la genèse artistique d'un classique du cinéma acclamé dans le monde entier.
De Autant en emporte le vent à Spiderman, en passant par A bout de souffle ou ET, découvrez la fabuleuse histoire des plus belles affiches du 7e art !
Ce beau livre regroupe plus de 100 affiches qui ont marqué l'histoire du cinéma par leur sujet, leur graphisme, leur originalité ou leur modernité. Toutes ont réussi à capter l'attention du public et à s'inscrire durablement dans les mémoires. Qu'il s'agisse des premiers posters célébrant l'âge d'or du cinéma hollywoodien, mettant en scène des icônes comme Marilyn Monroe ou Humphrey Bogart, ou bien d'affiches plus récentes, dévoilant de nouveaux héros sortis tout droit des studios d'animation comme Avatar ou Spiderman, toutes ces créations illustrent avec talent et magie près d'un siècle de cinéma. Elles témoignent aussi de l'évolution du 7e art depuis son invention par les Frères Lumière, de l'apparition de de nouvelles stars et de nouveaux héros, de l'émergence de nouvelles technologies...Chacune représente une oeuvre d'art à part entière ! Tour à tour romantiques, scandaleuses, drôles, effrayantes ou mystérieuses, ces affiches mettent à l'honneur nombre de films devenus cultes, mais aussi des acteurs ou des personnages entrés à jamais dans la légende.
Le guide complet des films du célèbre studio d'animation, dans une nouvelle édition augmentée et mise à jour.
Créé il y a près de 40 ans par Hayao Miyazaki et Isao Takahata, le studio Ghibli est la vitrine de l'anime dans le monde entier, mais aussi le gardien de son authenticité. Ses films sont traduits dans plus de 20 langues et commercialisés dans plus de 150 pays.
De Nausicaä de la Vallée du Vent (1983) au Garçon et le Héron (2023), en passant par les célébrissimes Mon Voisin Totoro, Le Tombeau des Lucioles, Princesse Mononoke ou Le Château ambulant, ce guide présente les 25 longs métrages du studio et décrypte, film par film, leurs thèmes profonds.
LUMIÈRE... CAMÉRA... ACTION !
Développez votre culture ciné-série LGBTQIA+ !
Quels blockbusters incluent des héros.ïnes queers ? Dans quelles séries trouver des personnages asexuels ? Est-on réellement sorti.es du stéréotype du meilleur ami gay ? N'y a-t-il vraiment rien de positif à tirer de La Cage aux folles pour la communauté LGBTQIA+ ? Pourquoi tous les vampires sont-ils gays ?
Maxime Donzel vous a concocté un recueil non exhaustif mais inclusif de la culture ciné-séries queer pour vous faire découvrir un large éventail des représentations LGBTQIA+, du grand comme du petit écran. Classées par thèmes, les nombreuses références mettent en lumière les bons (et les moins bons !) personnages, ressorts et scénarios queers.
En bref, avec ce livre, vous aurez toutes les clés pour enrichir votre culture ciné-séries queer !
Film par film, tout le génie du cinéaste espagnol, Lion d'or à la Mostra de Venise 2024, dans un beau-livre illustré de photos exclusives.
Depuis les années 1980, Pedro Almodóvar défie les conventions cinématographiques et sociales. Ses films, passionnés et audacieux où se croisent grandes figures féminines, homosexualité ou questionnement de la religion, de la famille et des normes, ont fait de lui l'un des plus célèbres étendards du cinéma queer et lui confèrent une place au panthéon du cinéma mondial contemporain.
De Pepi, Luci, Bom et les autres filles du quartier (1980) à Madres paralelas (2021), en passant par les célébrissimes Femmes au bord de la crise de nerfs (1988), Tout sur ma mère (1999) ou Volver (2006), ce livre retrace la vie et la carrière du réalisateur à travers ses films. Grâce aux photographies tirées des archives de sa société de production, parfois inédites, c'est à une plongée dans l'univers de la légende Almodóvar que le journaliste de cinéma Pau Gomez nous convie. À travers ces films, racontés face caméra mais aussi depuis les coulisses, c'est un portrait intime du réalisateur qui se dessine.
Alors que nous fêtons les vingt ans de LOST, les débats au sujet de cette série culte sont encore vivaces. Porté aux nues par certains, détesté par d'autres, le show télé reste malgré tout l'un des plus importants phénomènes culturels de l'ère Internet. Et tant d'années après, sa conclusion continue de diviser.
Créé par J. J. Abrams et Damon Lindelof, LOST s'impose encore aujourd'hui au rang des oeuvres cultes qu'il est passionnant d'analyser. Nous vous proposons donc une exégèse complète de cet ovni du petit écran américain, ainsi qu'un making-of riche de dizaines d'anecdotes.
LOST est un puits aux histoires que l'on s'approprie et qui donne l'impression de pouvoir s'abreuver à une source primordiale sans fin, pour finalement en partager sa propre vision. Au fond, nous connaissons la vérité. Nous savons que cette île est plus qu'une île. Nous sommes conscients que cette série est plus qu'une simple série. Alors, tentons d'en percer tous les secrets !
Cet ouvrage accompagne L'appel de l'ailleurs (DVD/VOD, L'Harmattan, mai 2024) réunissant trois films documentaires de l'autrice : À l'ombre des éléphants (2022), qui se déroule en Afrique, raconte la nécessité de sauvegarder les éléphants ; Esprits du Sepik, rencontres en Papouasie-Nouvelle-Guinée (2022) est un voyage en quête de beauté ; Le chant du chamane, voyage en Laponie (2023) part sur les traces d'un chamane Sami.
Dans le prolongement de ce qui avait été présenté dans son ouvrage Double « je » documentaire - Une recherche-création (L'Harmattan, 2022) liant les textes explicatifs aux films réalisés, Erika Thomas poursuit sa réflexion sur les images filmiques, l'écriture de soi et l'intime. Elle propose ici d'expliciter ses intentions et choix de réalisation afin que le diptyque film documentaire et texte académique dévoile, au-delà d'une méthodologie, une écriture.
En 1997, une ado fugueuse et son robot jaune traversent une étrange version des États-Unis en direction de l'ouest. Les cadavres de gigantesques drones militaires jonchent le
paysage, entassés avec les rebuts d'une société consumériste high-tech sur le déclin. Tandis que leur voiture approche de la côte, le monde se délite de plus en plus vite derrière les
vitres, comme si quelque part, par-delà l'horizon, le coeur de la civilisation tout entière avait fini par s'effondrer.
Les connaisseurs trouveront dans ce livre la reproduction de plus de 120 dessins représentant Caddetou, issus d'albums, de
« paperòlas » et autres cartes postales. Les autres rencontreront dans ces créations graphiques une indéboulonnable légende
populaire locale, humoristique et truculente, bon enfant et moqueuse, et ayant toujours su se garder de verser dans le
burlesque simpliste.
Jean-Louis Maffre les présente en respectant les groupements chronologiques ou thématiques qu'avait choisis l'auteur, et en dépeignant minutieusement le « biotope » social, ethnographique et historique de notre pittoresque héros local; grâce à lui, les dessins de Gabard nous apparaissent alors comme des instantanés tirés de ce qui pourrait être, en quelque sorte, le film de la vie de Caddetou : on a l'impression que nous est narrée la partie de son existence qui se déroule entre les images...
Chantal Akerman est une cinéaste radicale et complète. Des films de fiction et essais documentaires aux installations d'images en mouvement, son art est celui d'une intrépide expérimentation formelle. Cette esthétique du geste expérimental a pour départ un engagement éthique fort. À l'encontre de tout voyeurisme, d'un regard opposé à un autre, Akerman accueille l'autre à l'intérieur de son propre « logis », le loge au sein de sa propre intimité. Le travail sur l'intime du point de vue des expressions formelles, visuelles et sonores, devient un espace possible à partager et à vivre en commun.
Ainsi les notions d'intérieur et d'intériorité sont intimement liées dans l'oeuvre d'Akerman à la notion de passage : passages d'un extérieur fixe à une mobilité interne mitigée, d'un espace public à l'espace intime, d'une neutralité factice du cadre aux bouleversements profonds des corps. Le passage du film à l'installation est caractérisé par la même perméabilité des frontières. Comment habiter un espace, l'investir de soi tout en préservant aussi bien sa propre intimité que celle de l'espace lui-même, et celle de l'Autre - d'une autre identité, que ce soit la mère de la réalisatrice dans son dernier film No Home Movie (2015) ou encore ses personnages : de Jeanne Dielman à ceux de Je, tu, il, elle (1974), Toute une nuit (1982) et Histoires d'Amérique (1989) ?
Simz, alias Simone Ferriero, est un illustrateur numérique et auteur de BD vivant en Italie. Ses illustrations sont inspirées de différentes esthétiques, dont l'euro-manga, la bande dessinée occidentale et le manga. Retrouvez-le sur Instagram @simz.art, sur Patreon ou sur X (anciennement Twitter) @SimzArts.
Au cinéma, les lieux nous transportent souvent dans des mondes lointains et des futurs dystopiques, et servent de toile de fond aux batailles intergalactiques, aux monstres déchaînés comme aux couples passionnés et aux amitiés éternelles.
Ce guide unique en son genre vous guidera à travers les plus grands films en décryptant les lieux qui le constituent. Gratte-ciel où s'affrontent les superhéros, déserts donnant l'impression d'être sur Mars, petites villes qui deviennent les décors des plus grands films d'horreur, villes au romantisme le plus fort... plus aucun film n'aura de secret pour vous !
Écrire un scénario nécessite beaucoup d'imagination, un peu de patience et la connaissance d'un minimum de techniques et de règles. Ce petit livre synthétique et pratique présente l'essentiel des techniques de l'écriture d'un scénario.
Le lecteur pourra suivre ces règles pas à pas, de l'idée de départ à la mise au point finale du scénario, en passant par l'élaboration de la structure, l'utilisation des ressorts narratifs, la création des personnages... Un exemple de création/rédaction de scénario est présenté tout au long du livre pour illustrer la théorie. Cette nouvelle édition s'enrichit d'un nouveau chapitre abordant les erreurs les plus courantes et permettant au scénariste de trouver des solutions pour les corriger.
Le cinéma, monde polymorphe qui conjugue art et industrie, poésie et divertissement, ne peut être abordé pleinement sans prendre en compte sa dimension socio-économique. L'objectif de cet ouvrage est de proposer une synthèse des connaissances fondamentales à maîtriser dans ce domaine, sous la forme de 50 fiches. L'auteur y présente avec rigueur les cadres d'analyse et les grilles de lecture nécessaires à l'étude des structures et des évolutions de la filière cinématographique.
Cette 7e édition met en lumière les problématiques liées aux évolutions des pratiques culturelles et les débats actuels autour des nouveaux médias audiovisuels.
Dans ce numéro, on s'est perdu dans les tréfonds du classique de John Carpenter aux côtés de l'équipe du film culte de 1982. Pour immortaliser la chose, nous avons longuement échangé avec le producteur Stuart Cohen avec qui on a réfléchi à l'héritage de The Thing tout en retraçant ses incroyables coulisses. Dans ce dossier de +100 pages, on a aussi discuté avec Peter Kuran (Designer du Générique), Thomas G. Waites (Acteur/Windows), Dick Warlock (Cascadeur et doublure de Kurt Russel) ou Rob Burman (Département des effets spéciaux).
Au sommaire également, des entretiens fleuves avec les créateurs de The Lighthouse, Dark City, The Killer, Scavengers Reign, Poor Things ou TMNT Mutant Mayhem. Nous avons aussi travaillé avec 10 artistes et dessinateurs de bandes-dessinées comme Franck Besançon, Jeff Grimal, Lou-Ellen Allwood et Nicolas Bazin, qui ont parsemé nos longs-formats d'oeuvres inédites.
From one of the most iconic actors in the history of film, an astonishingly revelatory account of a creative life in full
To the wider world, Al Pacino exploded onto the scene like a supernova. He landed his first leading role, in The Panic in Needle Park, in 1971, and by 1975, he had starred in four movies-The Godfather and The Godfather Part II, Serpico, and Dog Day Afternoon-that were not just successes but landmarks in the history of film. Those performances became legendary and changed his life forever. Not since Marlon Brando and James Dean in the late 1950s had an actor landed in the culture with such force.
But Pacino was in his midthirties by then, and had already lived several lives. A fixture of avant-garde theater in New York, he had led a bohemian existence, working odd jobs to support his craft. He was raised by a fiercely loving but mentally unwell mother and her parents after his father left them when he was young, but in a real sense he was raised by the streets of the South Bronx, and by the troop of buccaneering young friends he ran with, whose spirits never left him. After a teacher recognized his acting promise and pushed him toward New York's fabled High School of Performing Arts, the die was cast. In good times and bad, in poverty and in wealth and in poverty again, through pain and joy, acting was his lifeline, its community his tribe.
Sonny Boy is the memoir of a man who has nothing left to fear and nothing left to hide. All the great roles, the essential collaborations, and the important relationships are given their full due, as is the vexed marriage between creativity and commerce at the highest levels. The book's golden thread, however, is the spirit of love and purpose. Love can fail you, and you can be defeated in your ambitions-the same lights that shine bright can also dim. But Al Pacino was lucky enough to fall deeply in love with a craft before he had the foggiest idea of any of its earthly rewards, and he never fell out of love. That has made all the difference.
From early cinema to the digital era, Color in Motion explores the vibrant history of color on screen
The art of producing color in movies is a fascinating process with a long history. Many people don't realize that, as early as the 1890s, much of silent cinema was in color. They also may not know that women were the main workforce behind the techniques that first produced these effects, a tradition that continued as the practice evolved. Breakthroughs in color technology have created ongoing opportunities for filmmakers to experiment with new forms of narrative and emotional storytelling. Spectacular, psychological and sensory, color has become an integral part of the cinematic experience.
From the earliest hand-painted films to Technicolor and today's digital cinema, Color in Motion takes readers on a journey through the evolution and significance of color in film. Presenting insightful analysis, engaging case studies and inspiring conversations with scholars and experts in the field, with topics ranging from animation to the intersections of color and race in cinema, it traces the historical development of color technologies and their impact onscreen. Incorporating vivid images of color films throughout history--Serpentine Dance, The Cabinet of Dr. Caligari, Fantasia, The Red Shoes, Vertigo, West Side Story, 2001: A Space Odyssey, Moonlight and more, as well as new multispectral scans of rare silent-era film prints--this essential volume celebrates color's enduring influence on the medium of film.
A visual exploration of cyberpunk and its global impact and lasting influence on cinema culture
Cyberpunk, a subgenre of science fiction, first appeared in the early 1980s and uniquely captured the anxieties of the decade. Featuring near-future scenarios set in worlds that resemble our own, cyberpunk stories juxtapose technological advances with social upheaval, ecological crisis and urban decay. Central to these narratives are antihero characters who fight against corrupt political systems, technology gone haywire and global mega-corporations.
Cyberpunk: Envisioning Possible Futures through Cinema examines the global impact and lasting influence of cyberpunk on cinema culture. Through rarely published behind-the-scenes photographs, film stills and concept art, the book spotlights iconic cyberpunk films such as Blade Runner, Tron and The Matrix; foundational animated features like Akira and Ghost in the Shell; and more recent releases such as Sleep Dealer, Pumzi, Night Raiders and Neptune Frost. More than 20 case studies written by critics, historians and filmmakers offer new perspectives on these films and their legacies. The book also features an in-depth introduction by curator Doris Berger; an essay by communications scholar Carlen Lavigne that discusses the genre's 20th-century literary origins and the new, global directions it has taken in the 21st century; and an interview with filmmakers Danis Goulet and Wanuri Kahiu that reflects on the interplay among cyberpunk, Afrofuturism and Indigenous futurism.
Scénariste, comédien et humoriste américain du début du XXe siècle, Will Rogers a joué dans divers spectacles du Far West où il déploie toute son adresse au lasso. Il se lance par la suite dans le cinéma comme producteur et acteur, un acteur qui deviendra aussi populaire que Chaplin en Amérique.
Maître de l'humour politique, il se moque des Démocrates comme des Républicains dans la presse quotidienne. En 1929 il tourne son premier film parlant, Ils voulaient voir Paris, puis en 1931 Un Yankee du Connecticut, une adaptation du roman satirique de Mark Twain.
Nouv.
