À l'ère des fake news et autres faits alternatifs, il est revigorant de relire ce qu'Umberto Eco avait à dire sur le sujet. Avec sa clarté, et son gai savoir habituels, le grand écrivain italien déconstruit les notions de mensonge, de faux et de falsification, dont il a si souvent joué dans ses fictions. L'humaniste emprunte autant à l'histoire de la logique, à la philosophie du langage qu'à la littérature, pour nous parler d'éthique, de mauvaise foi, d'ironie et d'authenticité. Car encore faut-il connaître la vérité pour mentir tout en disant le faux.
Eco nous rappelle que notre capacité à évoluer dans le monde avec sécurité se fonde sur le contrat social, et que notre meilleur allié contre les mensonges et les falsifications reste le temps puisque - presque toujours - celui qui ment ou falsifie finit par être découvert.
Dans cet essai aussi bref que réjouissant, le grand intellectuel italien nous offre des clés pour démêler le vrai du faux.
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Eté 1940 : la France est occupée. Certains pourtant refusent la fatalité : à Paris, au coeur du musée de l'Homme, quelques ethnologues se réunissent, bientôt rejoints par des gens de tous horizons - avocats, religieuses ou garagistes. Autour de Boris Vildé, d'Anatole Lewitsky, d'Yvonne Oddon, ces visionnaires posent les bases de la lutte qui mènera à la Libération : évasions de prisonniers, passages vers l'Angleterre ou la zone libre, et publication d'un journal clandestin, Résistance.
Mais ces insoumis de la première heure seront bientôt trahis, dénoncés à la Gestapo et, pour beaucoup d'entre eux, exécutés. Avec Des Vivants, Raphaël Meltz et Louise Moaty proposent un scénario d'une grande richesse et d'une profonde intégrité : aucun dialogue n'a été inventé, les paroles prononcées par les personnages sont les leurs. Au terme d'une vaste plongée dans d'innombrables documents d'époque - mémoires, lettres, témoignages, entretiens, journaux...
- ils composent ce récit en s'effaçant derrière la sincérité et la force de ces voix disparues. Simon Roussin, grâce à une mise en scène subtile et un dessin d'une grande maîtrise, redonne vie à ces fragments d'Histoire, déployant avec justesse tout leur souffle romanesque. Ensemble, ils composent une fresque puissante, rigoureuse et émouvante. Surgi très tôt, trop vite détruit, le réseau du musée de l'Homme est peu à peu sorti de la mémoire collective.
Cet album hors normes, à la fois enquête historique, roman de guerre et épopée grandiose, rend ainsi hommage à des hommes et des femmes emportés un jour par cette injonction formidable : résister. Une folle audace autant qu'une évidence ; l'unique moyen, au-delà de tout, de rester vivants.
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«J'ai été arrêté un jour dans une rue par un expert spécialisé en attributions de peintures du XIXe siècle. Il savait que j'avais parlé des Arts incohérents dans l'un de mes livres et voulait me dire qu'il avait trouvé dans une malle vingt-deux oeuvres de ces fameux anartistes! Pendant plus d'une dizaine d'années, ces Incohérents ont réalisé des expositions à Paris où l'humour, la drôlerie, la farce, l'ironie, la dérision ont mené le bal en générant la révolution qu'effectue un jour Marcel Duchamp. Car les premiers ready-made, ce sont eux - un rideau de fiacre exposé par Alphonse Allais. Le premier monochrome, c'est eux -Alphonse Allais et Pierre Bilhaud signent une Première communion de jeunes filles chlorotiques par un temps de neige (1883) qui est un simple bristol blanc... Les premiers happenings, ou les premières oeuvres conceptuelles, ce sont aussi eux. Duchamp et Breton connaissaient ce courant esthétique révolutionnaire dont seuls subsistent les catalogues dont on aurait même pu penser, tant leur délire était grand, qu'ils étaient eux-mêmes des oeuvres conceptuelles d'expositions n'ayant jamais eu lieu! Nous savons désormais que ça n'est pas le cas.» Michel Onfray
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Partout aujourd'hui, notre espèce réexamine sa place et ses responsabilités par rapport au reste du vivant. Dans les débats sur la f in de la nature et le besoin de réensauvagement, particulièrement animés, personne ne parle jamais de jardins. Pourtant, la surface couverte par ces derniers dans les pays occidentaux dépasse de beaucoup celle des réserves naturelles : même le plus petit jardin peut compter. Pourquoi, alors, les oublie-t-on et en quoi peuvent-ils espérer contribuer à l'avenir du vivant ?
Dans cet essai foisonnant, Louisa Jones nous propose des réponses à la fois historiques, philosophiques et pratiques. Elle survole l'héritage occidental du «sauvage» dans ses rapports parfois surprenants aux jardins, à la lumière des nouveaux philosophes du vivant : du Paléolithique au pastoral, de la wilderness américaine et l'horticulture dite «anglaise» jusqu'au nouveau land art. Aux jardiniers actuels, elle propose un riche tissage de témoignages, d'anecdotes et de conseils pratiques cueillis chez les spécialistes du monde entier. Ensauvager son jardin, c'est d'abord apprendre de nouvelles formes d'attention à l'existant pour mieux vivre en immersion et en interdépendance avec d'autres espèces. L'humain ne domine plus, mais ne s'efface pas non plus. Le jardinage peut régénérer les sols et la biodiversité, créer un lieu de vie partagé, une aventure dynamique et joyeuse d'émerveillement au quotidien, sensuelle et exubérante mais imprévisible. Au collectif, le jardin ensauvagé se glisse vers la forêt- jardin de la permaculture, les fermes-sauvages, les tiers lieux. Il rejoint la petite polyculture paysanne et surtout l'exemple méditerranéen décrié à tort, exceptionnel par sa résilience et sa biodiversité.
Et dans notre monde précaire, perturbé, abîmé, le jardin ensauvagé devient un «lieu de résurgence» semblable aux mosaïques, patchs et clairières loués par certains écologues, où s'inventent de nouvelles manières de bien vivre, accueillant une polyphonie du vivant qui nous inclut et qui laisse loin derrière toutes les vieilles définitions de l'Homme et du «sauvage» Lire la suite Fermer

À l'occasion des 60 ans de la création de la maison de couture, « Yves Saint Laurent aux musées » propose un parcours dans les collections permanentes de six musées parisiens.
Elle illustre la continuité et la profonde unité des liens que le couturier tisse avec l'art, les artistes mais aussi avec les collections publiques françaises.

Etel Adnan, Agam, Cecil Beaton, Pierre Bonnard, André Breton, Daniel Buren, Cassandre, Pierre Chareau, Giorgio de Chirico, Robert Delaunay, Raoul Dufy, Jean Dunand, Lucio Fontana, Alberto Giacometti, François Girardon, Gary Hume, Alain Jacquet, Ellsworth Kelly, Jacques Henri Lartigue, Charles Le Brun, Fernand Léger, Gaspard et Balthazar Marsy, Henri Matisse, Piet Mondrian, Claude Monet, Félix Nadar, Paul Nadar, Joseph Paxton, Irving Penn, Pablo Picasso, Jackson Pollock, Eugène Printz, Thomas Regnaudin, Jacques-Émile Ruhlmann, Jeanloup Sieff, Lord Snowdon, Martial Raysse, Victor Vasarely, Andy Warhol.
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Entre 1978 et 1981, Sophie Calle explore clandestinement l'hôtel du Palais d'Orsay, alors désaffecté. Elle choisit la chambre 501 comme point d'ancrage et, sans méthode préétablie, photographie les lieux abandonnés depuis cinq ans. Au fil de ses incursions, elle collecte des objets : numéros de chambres, fiches des clients, messages adressés à un certain "Oddo"...
40 ans plus tard, la chambre 501 a disparu : un ascenseur a pris sa place. Sur l'invitation de Donatien Grau, conservateur au Musée d'Orsay, Sophie Calle retourne explorer les lieux pendant le temps suspendu du confinement. Elle traque ici les fantômes du Palais d'Orsay avec l'archéologue Jean-Paul Demoule, qui livre ici deux interprétations de cette archive, l'une scientifique et l'autre, imaginaire.

D'abord peintre, Maillol se tourne vers la tapisserie et les arts décoratifs. Mal connue, cette première partie de sa carrière, au cours de laquelle il regarde Gauguin et Puvis de Chavannes et tisse des liens étroits avec les Nabis, montre un artiste désireux de retrouver les principes du décor mural.
Il découvre la sculpture vers 1895 seulement, d'abord sur bois et de petites dimensions : Octave Mirbeau et Ambroise Vollard entre autres en reconnaissent les qualités.
La Méditerranée réalisée pour le comte Kessler apparaît comme le manifeste du « retour à l'ordre », dont Maillol est un acteur majeur : proscrivant toute recherche d'expression, il instaure un nouveau classicisme et inscrit des corps féminins, à l'anatomie charpentée et sensuelle, dans des formes géométriques simples.
Maillol passe avec aisance de l'esquisse au monumental, dans des allers-retours continuels. L'imposant Monument à Cézanne invite à plonger dans son processus créateur, avant les grandes figures, aboutissement d'un parcours dans lequel la recherche d'une perfection formelle tient une place essentielle.
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L'oeuvre de Frida Kahlo (1907-1954) est peu abondante. Elle ne se compose que de cent quarante-trois peintures, de format généralement réduit, dont deux tiers d'autoportraits. Ce narcissisme frappant est en lien étroit avec sa biographie, avec son pays et son époque, avec ses dons naturels complètement excentriques. Il n'est pas étonnant que les grands «énigmatiques» du XVIe siècle, Jérôme Bosch et Bruegel l'Ancien, figurent parmi ses peintres de prédilection:Frida Kahlo ne montre jamais ses blessures directement, qu'elles soient corporelles - celles qui ont été provoquées par les accidents et les maladies - ou psychologiques. Sa langue symbolique est faite de clés subtiles; elle est riche de métaphores puisées au fonds de presque toutes les cultures du monde. Les mythes fondateurs aztèques, les mythologies extrême-orientales et antiques et les croyances populaires catholiques se mêlent au folklore mexicain et à la pensée de son époque, avec Marx et Freud. Exotiques et explosives, significatives et vitales dans leur discours artistique, les images de Frida Kahlo sont le miroir d'une âme complexe et souvent effrayante:«Ma vérité intérieure», avait-elle coutume de dire.
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Partez à la découverte des dessous fascinants de 100 chefs-d'oeuvre de l'art mondial.
Que recèle l'une des fresques réalisées par Michel-Ange sur le plafond de la chapelle Sixtine ? Pourquoi Rembrandt peignait-il sans cesse son propre portrait ? Quel secret se cache derrière Le Printemps de Botticelli ou les installations lumineuses de Yayoi Kusama ?
Cet ouvrage propose des réponses simples et claires à toutes ces passionnantes questions. Si vous avez déjà admiré une oeuvre d'art en vous demandant ce qu'elle pouvait bien signifier, ce guide est fait pour vous. Il vous aidera à voir l'art autrement, et à l'apprécier davantage encore.

Histoire de l'art de E.H. Gombrich est l'un des ouvrages sur l'art les plus célèbres et les plus populaires jamais publiés. Depuis quarante-cinq ans, il demeure une introduction inégalée à l'ensemble du sujet, des premières peintures rupestres à l'art d'aujourd'hui. Dans le monde entier, les lecteurs de tous âges et de tous milieux ont trouvé en Gombrich un véritable maître, qui allie la connaissance et la sagesse à un don unique pour communiquer directement sa profonde affection pour les oeuvres qu'il décrit. Cette Histoire de l'art doit sa popularité durable au style simple et direct de l'auteur. Son but, écrit-il, est "d'apporter un certain ordre, une certaine clarté dans l'abondance de noms propres, de dates, de styles qui compliquent quelque peu les ouvrages plus spécialisés". Grâce à son intelligence de la psychologie des arts visuels, il nous fait percevoir l'histoire de l'art comme "un enchaînement ininterrompu de traditions encore Vibrantes" qui "relie l'art de notre temps à celui de l'âge des pyramides". Le succès toujours grandissant de ce classique va se confirmer auprès des générations futures, avec cette seizième édition, révisée et présentée dans un nouveau format.
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Propose un choix de peintures, dessins et photographies du Moyen Age à l'époque contemporaine, dont le motif commun est de montrer une femme en train de lire. Offre également une réflexion sur cette activité qui fut longtemps interdite à la femme.

D'Archimède à Pasteur, en passant par Marie Curie, Einstein et Schrödinger, cet ouvrage explore à travers 60 expériences clés, les principales théories et méthodes et les grandes découvertes qui ont façonné l'histoire de la science.Accessible, concis et richement illustré, le livre nous explique les quand, comment et pourquoi de la découverte et de la recherche scientifique.Un concentré de sciences.

« On ne l'appelait que par son prénom. Elle possédait les atouts d'une comédienne et préférait les longues jupes chatoyantes des Indiennes aux créations des grands couturiers. La verdeur de son langage contrastait avec son apparence extrêmement féminine. Par son rire profond et communicatif, elle extériorisait sa joie ou son acceptation fataliste de la douleur ». Henry Ford, Nelson Rockefeller, André Breton et Paulette Goddard furent ses amis.
Trotski et Nickolas Muray furent ses amants, parmi d'autres... Picasso, Kandinsky, Miró admirèrent son art. Peintre à part entière, Frida Kahlo était mariée au célèbre muraliste Diego Rivera et, au Mexique, on les considérait tous les deux comme des gloires nationales. Près de 70 ans après sa disparition, l'histoire de sa vie reste aussi extraordinaire, aussi bouleversante que sa légende et que son univers pictural.
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Véritable célébration des cerisiers, ce coffret, accompagné d'un livret explicatif, déploie dans un format accordéon plus d'une soixantaine d'oeuvres des plus grands maîtres de l'estampe japonaise. Le sakura, dont la fleur est devenue l'emblème du pays, offre au début du printemps une floraison grandiose, dans de subtiles variations de couleurs, qui s'étend comme un nuage vaporeux sur tout le pays, et qui a donné lieu à un rituel ancestral, le hanami. De Hokusai à Hiroshige, en passant par Keibun, Bairei et Hasui, ces estampes mettent en valeur l'intensité et la fugacité de ce moment unique, occasion de recueillement en famille ou entre amis, où chacun est invité à méditer sur la brièveté de toute chose et sur la fragilité de l'existence, à contempler la nature pour y trouver la sagesse.
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Je suis le fils d'un salopard qui m'aimait. Mon père était un marchand de meubles qui récupéra les biens des juifs déportés. Mot par mot, il m'a fallu démonter cette grande duperie que fut mon éducation. A vingt-huit ans, j'ai connu une première crise de délire, puis d'autres. Je fais des séjours réguliers en hôpital psychiatrique. Pas sûr que tout cela ait un rapport, mais l'enfance et la folie sont à mes trousses. Longtemps je n'ai été qu'une somme de questions. Aujourd'hui, j'ai soixante-trois ans, je ne suis pas un sage, je ne suis pas guéri, je suis peintre. Et je crois pouvoir transmettre ce que j'ai compris. G . G.

Un livre qui a la puissance d'un roman, traversé par l'antisémitisme, les secrets de famille, l'art, la folie et l'amour. Un autoportrait bouleversant.

La voix est juste, la langue magnifique, le livre renversant. Olivia de Lamberterie, Elle.
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Toute sa vie durant, Pablo Picasso (1881-1973) a constitué de manière obsessionnelle un véritable fonds d'archives sans précédent : à sa mort, 200 000 pièces d'archives personnelles sont retrouvées (environ 20 000 manuscrits de correspondance, 11 000 extraits de son argus de presse et 15 000 photographies) auxquelles s'ajoutent de nombreux objets du quotidien rappelant des événements insolites, qui sont autant de témoignages inestimables sur sa vie intime. Derrière ce qui pourrait être perçue comme une folle sédimentation - proche du syndrome de Diogène -, Pablo Picasso, le créateur, l'enchanteur, est en réalité mu par une volonté conservatrice, qui dissimule une crainte magique, celle d'être envoûté. Le statut singulier de ces objets est lié au souvenir, à la mémoire que l'artiste y attache, au sens symbolique et imperceptible dont ils recèlent, et qui ne peut être compris sans le concours de leur propriétaire. À ces objets où vie intime et souvenirs émotionnels s'entremêlent, s'ajoutent de véritables objets-fétiches - provenant de sa collection d'arts premiers comme de sa collection d'objets personnels. Tous, selon Picasso, renferment un esprit... Superstitieux par ses origines espagnoles et italiennes, l'artiste estime que les choses possèdent un être intérieur, une âme secrète dont le but est de protéger par des moyens non pas physiques, mais magiques. À travers une galerie illustrée de ces memorabilia - des souvenirs pour lui-même, devenus des souvenirs pour les autres -, ce livre propose d'appréhender l'« Être » Picasso, en explorant une facette méconnue de l'artiste - à la fois sorcier et superstitieux -, lui qui puisait au coeur de son intimité pour exercer sa toute-puissance créatrice.
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Pendant son incarcération en 2011, repensant au fossé d'incompréhension qui s'était creusé entre son père et lui, Ai Weiwei décide d'écrire ses mémoires pour que son enfant n'ait pas les mêmes regrets.
Ai Weiwei est le fils du grand poète chinois Ai Qing, ami de Mao Tsé-Toung. Violemment critiqué lors de la Révolution culturelle, ce dernier est envoyé avec sa famille en camp de travail.
Avec une absolue franchise et beaucoup d'esprit, dans ses mémoires intimes illustrés de cinquante dessins inédits, Ai Weiwei revient pour la première fois sur son enfance, sa jeunesse dans les camps pendant 17 ans, son éveil à l'art, sa formation à New York, son cheminement personnel, son amitié avec Allen Ginsberg ainsi que l'influence de Duchamp et de Warhol sur son travail. Il raconte sa prise de conscience de la puissance révolutionnaire de l'art, la façon dont la vie dans un régime totalitaire a façonné son oeuvre, ses provocations qui lui vaudront d'être incarcéré de nombreuses fois, son exil, et la permanence de son combat contre le système chinois.
À travers une plongée passionnante dans la Chine de Mao Tsé-Toung à aujourd'hui, voici le récit d'un destin hors norme, de l'anonymat au statut d'artiste superstar et figure de l'engagement contre la répression.
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Dans ces entretiens avec Laure Adler réalisés peu de mois avant sa mort en automne 2021, Etel Adnan retrace avec profondeur et émotion les expériences fondatrices de sa démarche artistique, entre la poésie et la peinture. De sa jeunesse au Liban à sa reconnaissance tardive (et « fatigante ») lors de la Documenta en 2013, en passant par ses années américaines à New York et surtout en Californie, la conversation devient vite complice, et c'est le destin parfois difficile des femmes qui est revisité, questionné.

Ce qui est étonnant, c'est la tonalité vivifiante et primesautière du livre, et l'absolue croyance en la beauté qui l'habite : la beauté du monde, la beauté de l'art. La conclusion est en vérité une magnifique ouverture : « Aujourd'hui, c'est le printemps. Il y a cette belle lumière. Regardez, les fleurs dans le vase. L'olivier sur le balcon. C'est une bonne journée. »
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Alain Corbin nous offre une promenade dans le vent, au gré des expériences humaines, de cette force élémentaire et des efforts réalisés par l'homme pour le comprendre et le dompter.
Chacun peut éprouver le vent, sa présence, sa force, son influence. Parfois il crie et rugit, parfois il soupire ou caresse. Certains vents glacent, d'autres étouffent. Si l'humain témoigne de cette expérience depuis l'Antiquité, il s'est longtemps heurté au mystère de ce flux invisible, continu, imprévisible. Le vent, aux traits immuables, échapperait-il à l'histoire ?

Dans cet essai sensible, Alain Corbin nous guide dans cette quête initiée à la fin du XVIIIe siècle pour comprendre les mécanismes d'un élément longtemps indomptable. C'est le temps de nouvelles expériences du vent, au sommet de la montagne ou, pour la première fois, dans l'espace aérien. Les manières de l'imaginer, de le dire, de le rêver, évoluent et inspirent les plus grands écrivains, dont Victor Hugo.

Un champ immense se dessine alors aux yeux de l'historien. D'autant que le vent est, peut-être avant tout, un symbole fort de l'oubli et du temps.
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Anna Klumpke (1846-1942) arrive dans la vie de Rosa Bonheur (1822-1899) en 1889. Elle sert alors d'interprète - Anna Klumpke est américaine - à un admirateur new-yorkais de passage en France. Rosa Bonheur est une peintre si connue aux États-Unis que son tableau Le Marché aux chevaux est accroché au Metropolitan Museum, et l'on offre aux enfants une poupée à son effigie.
Neuf ans après cette première rencontre, A. Klumpke est de retour au château de By, demeure de Rosa. Entre les deux femmes, une profonde affinité se fait jour. Venue pour quelques semaines, Anna finit par rester. Admirative, enthousiaste et attentive, Anna ne doute pas un instant que le monde puisse être fasciné par le témoignage de Rosa Bonheur. Elle en fera une oeuvre littéraire et historique. Tout au long de leurs entretiens, Rosa Bonheur évoque ses origines, sa formation tout autant que sa vie personnelle dont ses années communes avec Nathalie Micas. Il est ici question du féminisme, des droits des femmes, du statut des femmes peintres aussi bien en France qu'outre-Atlantique. Elle évoque la reconnaissance officielle - elle est la première artiste femme à être faite Chevalière de la Légion d'honneur -, le succès de ses toiles sur le marché de l'art lui offrant une indépendance financière.
Il est ici question des personnalités de l'époque qu'elle côtoie et apprécie comme Buffalo Bill, le duc d'Aumale, l'impératrice Eugénie et bien d'autres encore.
Ce livre brosse ainsi le tableau d'une artiste à redécouvrir et dont l'oeuvre s'étend quasiment sur tout le xixe siècle. Natacha Henry assure l'édition révisée de ces entretiens.
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Du kimono japonais au sac Kelly de la maison Hermès, en passant par les perruques de Marie-Antoinette, le kilt, les tailleurs de Savile Row, le poncho, les robes du soir de Jeanne Lanvin, le sportswear, le glamour d'Hollywood des années 1930 ou les Sapeurs du Congo, cet ouvrage indispensable et complet présente l'histoire passionnante de deux millénaires de mode.
- Tous les mouvements clés de l'histoire de la mode - 150 pièces iconiques analysées - 150 monuments analysés - Plus de 1600 illustrations commentées - Repères chronologiques - Biographie des couturiers.

Ernest Pignon-Ernest, artiste incontournable de la scène française, se livre sur son parcours et son processus de création dans cet ouvrage édité par le FHEL à l'occasion de sa grande rétrospective. Pionnier de l'art urbain, il dévoile 50 ans d'interventions dans l'espace public à travers ses installations, dessins et son oeuvre de photographe.
De Nice à Naples, Alger, Grenoble ou Soweto, il investit les murs du monde entier et colle ses dessins, figures poétiques et engagées, faisant de la ville son atelier et le théâtre des combats qu'il dépeint :
Rimbaud à demi effacé dans les rues de Paris, Pasolini en Pieta, caravagesque, couple expulsé collé sur le mur de son immeuble détruit, ouvrier au corps abimé par le travail ou personnages fantomatiques se tenant dans des cabines téléphoniques.
A ce témoignage, viennent s'ajouter les éclairages de Jean de Loisy : éléments biographiques, historiques, analyses d'oeuvres ou extraits des poètes qui habitent l'oeuvre de l'artiste. Lire la suite Fermer

Leurs oeuvres sont provocantes, radicales, poétiques ou ironiques... Présentant les travaux de 64 femmes artistes, ce livre dévoile comment, dans les années 1970, celles-ci ont repris contrôle de la représentation féminine dans la photographie, la vidéo et l'art de la performance.

Opérant un changement drastique dans la perception des femmes dans l'art, et à rebours de la projection traditionnelle des fantasmes masculins, ces artistes ont donné à voir une nouvelle « image de la femme ». L'ouvrage, à travers cinq thématiques phares (Femme au foyer/Mère/Épouse ; Enfermement/Évasion ; Dictat de la beauté/Corps féminin ; Sexualité féminine ; Identité/Jeu de rôle), présente ainsi une large variété d'oeuvres, qui tour à tour dénoncent le sexisme, les inégalités sociales ou les structures du patriarcat.

La conservatrice et fondatrice de la Collection Sammlung Verbund, Gabriele Schor, se réfère à ce moment charnière comme à l'« avant-garde féministe », soulignant le rôle pionnier joué par ces artistes qui ont rejeté ce qui avait toujours précédé. Donnant naissance à de nouveaux modes d'expression dans tous les domaines artistiques, celles-ci ont porté une voix émancipatrice qui continue encore aujourd'hui à inspirer la génération contemporaine.

Artistes présentées dans l'ouvrage : Helena Almeida, Sonia Andrade, Eleanor Antin, Anneke Barger, Lynda Benglis, Renate Bertlmann, Tomaso Binga, Dara Birnbaum, Marcella Campagnano, Judy Chicago, Veronika Dreier, Orshi Drozdik, Lili Dujourie, Mary Beth Edelson, Renate Eisenegger, VALIE EXPORT, Esther Ferrer, Marisa Gonzalez, Eulalia Grau, Barbara Hammer, Leeson Lynn Hershman, Alexis Hunter, Sanja Ivekovic, Birgit Ju¨rgenssen, Kirsten Justesen, Kutera Anna, Ketty La Rocca, Leslie Labowitz, Suzanne Lacy, Katalin Ladik, Suzy Lake, Natalia LL, Léa Lublin, Karin Mack, Ana Mendieta, Annette Messager, Rita Myers, Senga Nengudi, Lorraine O'Grady, ORLAN, Gina Pane, Ewa Partum, Friederike Pezold, Margot Pilz, Howardena Pindell, Angels Ribé, Ulrike Rosenbach, Martha Rosler, Brigitte Roth, Victoria Santa Cruz, Suzanne Santoro, Carolee Schneeman, Lydia Schouten, Elaine Shemilt, Cindy Sherman, Penny Slinger, Annegret Soltau, Gabriele Stötzer, Regina Vater, Marianne Wex, Wilke Hannah, Martha Wilson, Francesca Woodman, Nil Yalter. Lire la suite Fermer

Bleu L'histoire de la couleur bleue dans les sociétés européennes est celle d'un complet renversement : pour les Grecs et les Romains, cette couleur compte peu ; elle est même désagréable à l'oeil. Or aujourd'hui, partout en Europe, le bleu est de très loin la couleur préférée (devant le vert et le rouge).
L'ouvrage de Michel Pastoureau raconte l'histoire de ce renversement, en insistant sur les pratiques sociales de la couleur (étoffes et vêtements, vie quotidienne, symboles) et sur sa place dans la création littéraire et artistique, depuis les sociétés antiques et médiévales jusqu'à l'époque moderne. Il analyse également le triomphe du bleu à l'époque contemporaine, dresse un bilan de ses emplois et significations, et s'interroge sur son avenir.