«Femmes à toutes mains, femmes petites mains, femmes réduites au silence pendant des décennies même quand elles créaient : on connaît désormais les rouages du processus implacable d'invisibilisation des femmes dans le monde de l'art et dans le monde en général. Mais ce qui est singulier dans cet art majeur qu'est la photographie c'est que, justement, et depuis son origine, il a été considéré, et en premier lieu par son inventeur, comme une activité si simple qu'elle pouvait être à la portée des femmes et des enfants.» Laure Adler Le métier de photographe a toujours été ouvert aux femmes car il n'était pas normalisé, c'était une profession jeune, instable, pas forcément prestigieuse ou excluante. Dès le XIX? siècle, de nombreuses femmes s'emparent de la photographie naissante. Présentes dans tous les domaines, de l'art au journalisme en passant par la mode, la science ou la publicité, elles se heurtent pourtant trop souvent à un manque de reconnaissance et de visibilité. Laure Adler les met à l'honneur à travers une sélection de choix personnels, réunissant des pionnières incontournables, des figures oubliées et de jeunes découvertes. Certaines s'engagent en politique ou dans le militantisme féministe, d'autres s'aventurent sur les terrains de guerre ou rompent avec les normes et les conventions. Toutes prennent des risques, s'émancipent des cadres établis et inventent des formes inédites, de nouvelles façons d'être et de travailler. Ces femmes sont «dangereuses» parce qu'elles remettent en cause les attentes et les présupposés entourant leur profession et leur statut : elles nous invitent à imaginer de nouveaux mondes. Lire la suite Fermer

L'histoire de Vivian Maier (1926-2009) est celle d'une nanny ayant traversé sa vie dans le silence avant d'être révélée comme photographe. Autodidacte, elle invente son langage à la croisée de la photographie humaniste et de la street photography. Qu'elle s'intéresse aux enfants ou aux quartiers ouvriers, elle représente ceux qui sont les oubliés du rêve américain. Ses autoportraits témoignent d'une quête d'identité au sein d'un monde où elle ne semblait pas avoir de place.

L'horizon de notre histoire,
c'est devenir cheval.
On dit qu'il y a des hommes
de cheval, des femmes de cheval. C'est inexact. Il y a aussi des hommes-chevaux, des femmes-chevaux, ceux qui, s'investissant auprès des équidés, ont brouillé
les limites de leur identité.
Se sont escrimés à voir cheval, sentir cheval, bouger cheval,
si bien que leurs gestes, leurs sensations, leur regard sur
le monde, en sont bouleversés.
Devenir cheval, consentir à
oublier un peu l'humain en soi.

Susan Meiselas (née en 1948), membre de l'agence Magnum depuis 1976, réinvente le rôle de témoin du photographe afin de permettre à ceux qui n'ont pas de voix de prendre la parole. Que ce soit avec les adolescentes new-yorkaises ou les femmes victimes de violences, elle maîtrise parfaitement la distance - tant physique que politique - dans un travail collaboratif qui s'installe dans la durée. Du Nicaragua au Kurdistan, elle remet en question les notions de vérité et interroge les codes du photojournalisme.

Helen Levitt (1913-2009) a saisi la vitalité de l'aire de jeux informelle que constitue la rue. Elle témoigne de la coexistence, par fois heureuse parfois conflictuelle, des minorités ethniques, dans le Brooklyn de son enfance, ou dans le Lower East Side et les quartiers Nord de Manhattan - Harlem, Spanish Harlem - d'où proviennent la plupart des images prises à partir de 1936.

Depuis 1955, le concours annuel World Press Photo est le rendez-vous mondial du journalisme visuel. Ce livre présente les gagnants du World Press Photo 2020, à travers les images les plus marquantes et les reportages les plus convaincants qui ont été retenus parmi les 73 966 photos prises par 4282 photographes de 125 pays. Sélectionnés par un jury indépendant de professionnels, les gagnants des prix sont mis à l'honneur dans ce document empreint d'émotions et représentatif du meilleur journalisme visuel de l'année 2019.

Là où, dans la photographie de presse, on recherche l'emphase et le drame, le regard de Gianni Berengo Gardin navigue à contre- courant : sans excès, plein d'attention, de sensibilité et de respect des sujets. Inspiré par l'école humaniste, le photographe se pose en témoin qui préserve l'authenticité de ce qui advient devant son appareil. Ce qui compte à ses yeux, ce sont la vie, les gens, les événements.

Au début du XX? siècle, Céline Laguarde s'est imposée comme une figure internationale du premier mouvement artistique de l'histoire de la photographie, le pictorialisme. Son oeuvre sort aujourd'hui d'un siècle d'oubli. Cette première monographie consacrée à l'artiste révèle une production d'une qualité, d'une variété et d'une longévité insoupçonnées. Fruit de recherches inédites, elle reconstitue la vie, l'oeuvre et la carrière de cette virtuose des procédés pigmentaires. L'ouvrage propose un regard nouveau sur le pictorialisme tout en replaçant le cas de Laguarde dans le contexte encore méconnu, et analysé ici pour la première fois, de la photographie féminine en France au tournant des XIX? et XX? siècles. Il invite ainsi à une véritable redécouverte : celle d'une femme photographe ayant atteint un degré de reconnaissance alors unique et sans précédent en France depuis l'invention du médium, mais aussi, et surtout, celle d'une artiste déjà considérée, de son vivant, parmi les photographes majeurs de son temps. Lire la suite Fermer

Notre mémoire du Débarquement et de la Libération est marquée par les photographies mythiques de Robert Capa. Elles forment une véritable épopée que le romancier Alexis Jenni, prix Goncourt pour L'Art français de la guerre, retrace ici. De Londres en passant par l'Afrique du Nord et l'Italie, jusqu'à la Libération de Paris puis le Berlin de l'été 1945, l'ouvrage fait revivre au plus près les épisodes de cette histoire. Le romancier éclaire le talent de Capa pour dire l'humanisme à l'oeuvre dans la libération de l'Europe : « Capa l'empathique montra qu'en 1945 c'était l'humanité qui gagnait », écrit-il. Il montre comment le photoreporter a forgé la figure du héros démocratique et lui a donné les traits d'un homme ordinaire, animé par un désir de liberté. Ce livre est un éloge de ce désir, dont nous sommes aujourd'hui les héritiers.

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À Anvers, alors qu'il joue enfant au foot en culottes courtes, Harry Gruyaert va chercher le ballon dans les hautes herbes qui lui caressent les cuisses. La lumière est belle, son esprit s'échappe du terrain. Le photographe décrit ce moment comme une libération des sens, comme le point de départ de sa quête de sensations.
Membre de Magnum depuis 1982, Harry Gruyaert décrit la photographie comme une expérience physique, un état d'excitation, une façon d'être présent au monde. Le monde, il le traduit en couleurs à une époque où le noir et blanc rafle la mise sur les cimaises des galeries.
Héritier de la tradition américaine, très influencé par le cinéma, Harry Gruyaert a su créer une palette chromatique extrêmement personnelle, un rouge dense, un vert qui vibre, une manière de découper la lumière et ses ombres dans le cadre. Qu'il s'agisse de la Belgique, du Maroc, des États-Unis, de Paris ou de Moscou, aucun sujet ne compte en tant que tel. Tous constituent des réservoirs d'inspiration et d'impressions rétiniennes.
Ce livre, à l'editing somptueux, est son premier livre rétrospectif.
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Ernest Cole, photographe sud-africain, fut le premier à exposer au monde entier les horreurs de l'apartheid. Ayant fui l'Afrique du Sud en 1966, il publie à New York House of Bondage alors qu'il n'a que vingt-sept ans. Son livre, témoignage de l'apartheid, est interdit dans son pays. Apatride, Ernest Cole vit à New York une existence solitaire. Il photographie ses contemporains, observe la ville mais n'y trouvera jamais ses repères. Il meurt en 1990, abandonné de tous, sans avoir revu son pays. En 2017, plus de 60000 de ses négatifs et photos, pour la plupart inédits, sont mystérieusement «découverts» dans les coffres d'une banque suédoise. À travers ces extraordinaires photos d'Afrique et d'Amérique, Raoul Peck raconte les errances, les tourments d'artiste et la colère d'Ernest Cole face au silence ou à la complicité du monde occidental devant les horreurs du régime de l'apartheid et de la ségrégation raciale aux Etats-Unis. Une autobiographie photographique, un témoignage pour l'histoire. Lire la suite Fermer

Évoquant le fracas silencieux d'un monde en fragments et la poésie du désenchantement, les photographies de Stéphane Duroy (né en 1948) s'imposent au regard du spectateur, chargées du poids de l'histoire. Membre de l'agence VU' depuis 1986, régulièrement exposé et publié, Stéphane Duroy impose un regard sans concession sur son temps, préférant le mode contemplatif au document qui dénonce. Après avoir sillonné l'Europe pendant plus de quarante ans, observant les traces des tragédies qui ont façonné le XXe siècle, il incorpore désormais plusieurs médiums à sa pratique et pose un regard réflexif sur son oeuvre.

En 2017, à l'occasion du décès de son père, Sophie Calle s'est posé cette question qu'elle partage avec nous : "Que faites-vous de vos morts ?". La première édition de ce livre regroupait des photographies prises par l'artiste à travers le monde dans des cimetières, accompagnées d'une sélection de messages laissés par les visiteurs. Cette nouvelle édition intègre les messages recueillis lors de son exposition à la chapelle du Centre de la Vieille Charité à Marseille en 2019 .

En 1983, puis en 1989 et en 2006, Willy Ronis fait don de l'ensemble de son oeuvre à l'État français. Pour accompagner ce geste, il rassemble dans des albums une sélection de ses meilleures photographies ; pour chacune, il écrit un commentaire fait de souvenirs et d'anecdotes, s'attachant aux conditions de la prise de vue et aux informations relatives au tirage. Au total, ce sont 590 photographies qui forment un portrait sensible et autobiographique de Willy Ronis. Cet ouvrage exceptionnel reproduit l'intégralité du contenu, jusqu'alors inédit, de ces albums.

Rencontres d'Arles 2024
Ce livre-événement comble une grande lacune historiographique. Alors qu'il existe une véritable passion française pour la photographie japonaise, cet ouvrage démontre que la virtuosité des artistes femmes n'a rien à envier à celle de leurs homologues masculins. 535 images couleur et noir & blanc rythment cette somme étourdissante de 500 000 signes.

Ce livre dessine une histoire de la photographie allongée, invitant à voyager de lit en lit au gré des nuits et des rencontres. Nombre de photographes se sont emparés de ce motif tout à la fois intime et universel, depuis les portraits mortuaires du XIXe siècle jusqu'au lit transformé en néo-bureau pour le télétravail au XXIe siècle. Nouvelle matrice créative, il brouille la frontière entre privé et public, fiction et documentaire.

« Tout a débuté par un essai, consacré à quelques-uns des problèmes esthétiques et moraux que pose l'omniprésence des images photographiques : mais plus je réfléchissais à la nature des photographies, plus elles devenaient complexes et suggestives. Si bien qu'un essai en engendra un autre, qui à son tour (à mon grand étonnement) en engendra un troisième, et ainsi de suite, chacun ajoutant un maillon à une chaîne d'essais sur le sens et la vie des photographies, jusqu'à ce que je fusse allée assez loin pour que le développement esquissé dans le premier essai, étayé puis prolongé dans les suivants, pût être récapitulé et généralisé de façon plus théorique. Et trouver son terme. [...] Écrire sur la photographie, c'est écrire sur le monde. Et ces essais sont en fait une méditation prolongée sur la nature de notre modernité. » Susan Sontag Sur la photographie est une étude de la force des images photographiques qui s'insèrent continuellement entre l'expérience et la réalité. Sontag développe plus avant le concept de « transparence ». Lorsque tout peut être photographié et que la photographie a détruit les frontières et les définitions de l'art, un spectateur peut aborder une photographie librement, sans s'attendre à en découvrir le sens. Ce recueil de six essais lucides et revigorants constitue une exploration profonde de la manière dont l'image a bouleversé la société.
Paru pour la première fois en 1977, Sur la photographie est devenu un livre culte sur le sujet.
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D'abord apprentie chez un photographe de quartier, puis laborantine et photographe au magazine Votre beauté, Dolorès Marat, née en 1944, commence, à presque 40 ans au milieu des années 1990, une oeuvre personnelle peuplée d'énigmes et d'ambiances étranges, de figures séduisantes et sensuelles, de scénarios sans issue.
Le flou de bougé est la composante reconnaissable du travail de Dolorès Marat. Elle se hâte de photographier, répondant à son instinct, et ce mouvement précipité se retrouve dans ses images. Le procédé de tirage Fresson, qu'elle privilégie jusqu'à la mort de Michel Fresson (2020) avant de pratiquer le tirage sur un papier japonais artisanal, donne à ses clichés un aspect velouté et des couleurs spectrales. Elle est une photographe de la nuit, de l'illusion, du rêve. Lire la suite Fermer

Après la grande exposition qui lui est consacré à Arles l'été 2023, cette rétrospective célèbre le centenaire de la naissance de Saul Leiter. Elle rassemble toutes les facettes de son oeuvre d'une étendue considérable. Durant une vie entière consacrée à la création artistique, le photographe et peintre Saul Leiter a produit un corpus de plus de 20 000 tirages photographiques, 4 000 tableaux et quelque 40 000 diapositives. De la street photography à ses images pour la mode en passant par ses nus féminins et ses peintures, ce livre nourri de ses archives personnelles révèle une oeuvre immense et inclassable. Enrichi de cinq essais éclairant tant la biographie que l'oeuvre de l'artiste et puisant dans ses archives personnelles, ce livre révèle la sensibilité unique de Saul Leiter. Lire la suite Fermer

« Couleur ou noir et blanc ? » En 1962 le jeune Joel Meyerowitz ne sait pas encore que cette question du vendeur de pellicules va le plonger dans d'intenses réflexions esthétiques. Nourri par ses discussions passionnées avec ses amis photographes Tony Ray-Jones et Garry Winogrand, Meyerowitz cherche son vocabulaire et commence à photographier en parallèle avec deux boîtiers, l'un pour le noir et blanc, l'autre pour la couleur. En s'appuyant sur les images jumelles nées de cette surprenante pratique, Meyerowitz raconte avec brio ses années d'apprentissage, celles de l'un des grands pionniers de la photographie couleur.

« Je ne suis pas un critique ou un spécialiste de l'histoire de la photographie, j'écris ce texte sur l'oeuvre de Bernard Plossu au regard de ce qu'elle me donne à penser, ce qu'elle m'apporte de connaissances sur le monde. Ce livre est une marche commune, une ballade à ses côtés où je dis comment je vois ses photographies, peut-être comment elles me voient elles-mêmes, comment elles m'atteignent. Ecrire en se laissant porter par le regard, sous l'empire de ses photos en essayant de comprendre ce qu'elles transforment en moi, les émotions qu'elles font naître, les rappels de mémoire. Ce n'est pas une biographie non plus, mais une conversation. Nous parlerons de voyage, d'amitié, de marche, de silence, d'un certain attachement à la solitude, à la contemplation. Au-delà de l'amitié, une connivence nous relie, une manière de toucher le monde par l'image pour Bernard Plossu, et pour moi par l'écriture, l'un et l'autre dans un affût qui ne cherche jamais l'appropriation mais le témoignage, épouser les mouvements du réel plutôt que de les commander. » David Le Breton
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Pourquoi est-ce un chef-d'oeuvre ? C'est ce qu'explique cet ouvrage, en proposant une analyse inédite de 80 clichés qui ont fait date dans l'histoire de la photographie. Concise, précise et vivante, chacune des notices resitue l'oeuvre dans son contexte, dévoilant ainsi ce qui l'a rendue exceptionnelle. S'agit-il du thème, de la composition, de la technique ? Ou bien plutôt de la fidélité au sujet ?
D'Ernst Haas à Martin Parr, en passant par Man Ray, Robert Capa, Nan Goldin ou encore Rineke Dijkstra, ce livre conçu par un spécialiste nous invite dans les coulisses de la création, du portrait au paysage, du photojournalisme au documentaire social.

Une sélection de clichés pris au Japon, réalisés par des photographes tels que H. Cartier-Bresson, N. Bouvier, K. Domon, D. Moriyama ou C. Freger.

Avec un appareil photo ou un smartphone, voici tes missions, si tu l'acceptes ! Des photos de célèbres photographes pour l'inspiration. Lumière, composition, objectifs : des astuces de pro ! Le nouveau livre d'Henry Carroll, auteur du best-seller Le Livre qu'il vous faut pour réussir vos photos.